The Real Huaylaca
Director: Alfredo Velarde
Cusco – 2009

La Huaylaca, en muchas manifestaciones de la sierra peruana es una sátira a esa mujer que encarnada por un hombre, se convierte en el centro de atención y burla en las fiestas, ritos y costumbres, creando mitos alrededor de los roles de género.

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Diseño y concepto: Alfredo Velarde

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Esta es una iniciativa de jóvenes peruanos que todavía sentimos abierta la herida dejada hace un año, en Bagua. Tenemos la necesidad de demostrar que estamos comenzando a no olvidar tan fácil, que estamos dispuestos a no permitir que la historia se repita una y otra y otra vez.

Los invitamos a todos a informarse, a escuchar la mayor cantidad de voces con respeto y tolerancia y a ayudar a que más personas recuerden: difunde este mensaje a través de redes sociales, blogs o reenviando un mail a tus contactos.

No permitamos que la sangre salga del papel, pero hagamos todo lo posible para que nuestra opinión sí lo haga.

Diseño: Alfredo Velarde. Concepto: César Venero, Alfredo Velarde, Jorge Vargas.

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Muchos artistas, desde hace algunas décadas, han preferido volcar su interés en desarrollar propuestas diferentes de la estética correcta, experimentando con diversos materiales y soportes. Desde los primeros collages y ensamblajes con restos y objetos encontrados del cubismo, dadaísmo y surrealismo, hasta las prácticas del arte povera, land art, arte conceptual y otras tendencias de los años 60′s y 70′s, es decir, a lo largo del siglo XX, los trances entre lo natural y lo producido han ido cobrando importancia. Actualmente, el concepto de residuo no resulta excepcional en el arte contemporáneo.

La generación de una gran cantidad y diversidad de residuos es inherente a los procesos de supervivencia del hombre actual que lucha por su supremacía y dominación frente a su entorno natural. Estos residuos, y todos los conceptos asociados, se han anclado en nuestro imaginario como elementos peyorativos y hasta despreciables; además, el avance tecnológico y científico le resta importancia al hecho de que sean entendidos y resueltos positivamente.  Sin embargo, con la aparición de expresiones como residuo, surgen también términos como reciclaje o reutilización que plantean un nuevo aprovechamiento y, por ende, un nuevo concepto del elemento.

En esta línea, la muestra articula a un grupo de artistas contemporáneos para desarrollar nuevas propuestas que se enfoquen hacia la reflexión e interiorización del problema ambiental de nuestro planeta, entendiéndolo no como ajeno ni distante sino asumiéndolo como propio.

Alfredo Velarde
Artista Visual – Curaduría TRASH

.

TRASH, reinterpretando la estética
Exposición colectiva de arte de Valerie Velasco, Alfredo Velarde, Christian Dávila y Jorge A. Vargas.
Galería del ICPNAC (Av. Tullumayo 125)
Hasta la primera semana de junio.

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EPISODIO queda definido según el Diccionario de la Lengua Española como:

(Del gr. ἐπεισόδιον, intermedio de una tragedia).

1. m. Acción secundaria de un poema épico o dramático, de una novela o de cualquier obra semejante, pero enlazada con la principal para hacerla más varia y deleitable.

2. m. Cada una de las acciones parciales o partes integrantes de la acción principal.

3. m. Digresión en obras de otro género o en el discurso.

La exposición que presenta Oswaldo Macedo Velasco en la galería del Convento de Santo Domingo, Qorikancha (Cusco), lleva por titulo Episodios, en ella vincula una serie de fotografías en color y blanco y negro, con diversos escenarios, ya sean costumbristas, paisajísticos, sociales, personajes retratados, etc. Todos ellos con una peculiar mirada, orientada al descubrimiento de estas atmósferas e historias que encierran esos espacios vacíos y bucólicos de los horizontes, la fuerza de los personajes del Corpus cusqueño, la soledad de los torreones barranquitos o la dulce mirada de una anciana, imágenes enclaustradas tras el acto de fotografiar.

Conforman la exposición casi una veintena de imágenes realizadas en los últimos años, destacan capturas hechas en la tradicional Fiesta de la Virgen del Carmen en Paucartambo (Cusco), en ellas el tratamiento del color enlaza una mirada especial y atenta a detalles poco perceptibles como las acciones de los bailarines en la famosa guerrilla, casi al termino de la celebración.

Algunas tomas en la rígida monocromía del blanco y negro asumen un papel preponderante en la puesta en escena que presenta Macedo, son cuatro las fotografías que destacan en ese laberinto de imágenes que por momentos cautivan la atención del espectador, en contra posición a lo disperso que resulta el recorrido al tener tantas y disímiles tomas en contenido y temática.

La representación de iconos y formas típicas de la cultura chicha se evidencia en un agrupamiento –no necesariamente una serie- de cuatro fotografías, donde el color y la forma, demuestran un interés no casual en las composiciones orientadas a destacar el ritmo de una cultura chicha que emerge y se posiciona en lentes, paletas y todo medio creativo de la gran mayoría de artistas contemporáneos.

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El pasado sábado 23 quedé atrapado por la fuerza de la naturaleza en el pueblo de Aguas Calientes o Machupicchu Pueblo en el Cusco, a la caída de la línea del tren y las contastes lluvias, casi 3000 personas  procedentes de Camino Inca y de la ciudad de Cusco, quedamos varadas en este pueblo, con escáso alimento, una pésima organización contra desastres naturales, autoridades corruptas y el desconcierto persistente, para el martes el caos se apodero del pueblo, debido a la poca ayuda del gobierno y las terribles desigualdades entre los residentes, turistas extranjeros y peruanos que las mismas autoridades genéran. El río ha arrasado con gran parte de la ribera y se preveé una mayor crecida del mismo para los siguientes días, hoy por la tarde recién pude salir del lugar evacuado en un helicóptero de la Fuerza Aérea Peruana y después de seis días respirar un poco más tranquilo por no tener el peligro a cada paso, pero preocupadísimo por los cientos de peruanos que por discriminación están siendo dejados de lado por la autoridades policiales, militares y por los grupos de extranejeros al mando de las actividades de organización para la evacuación.

Trataré de armar a la brevedad de los posible las más de 1000 fotografías que tengo para poder mostrar con detalle el registro documental desde el sábado 23 hasta hoy.

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La semana pasada se inauguró la muestra que reúne a los ganadores y seleccionados del CONCURSO NAVIDEÑO DE ARTE CONTEMPORÁNEO del  CONVENTO DE SANTO DOMINGO – QORIKANCHA, el mismo agrupa en sus competidores a artistas y aficionados que divididos en dos categorías: “Juguete como objeto de arte” e “Imaginería como arte contemporáneo”; compiten por el preciado premio que año a año cobra mayor relevancia.

Abencia, la reina de las parranditas.

Considero importante destacar la obra ganadora en la categoría: “Juguete como objeto de arte” del artista Jorge Flores, titulada: “ABENCIA, LA REINA DE LAS PARRANDITAS”, en ella Flores explora por medio del uso y re uso de iconos de la cultura popular  “chicha”, acciones y momentos coyunturales de nuestra agitada y folclórica realidad;  un capítulo que de a pocos estructura cuestionamientos de lo que actualmente representa -de mala forma- la definición de lo chicha en el Perú, frente a realidades más o menos tragicómicas de sus personajes tristemente relevantes.

Abencia Meza, la otrora reina de las parranditas, ahora recluida en el ex penal Santa Mónica de Chorrillos (Lima) por haber sido acusada de haber ordenado el asesinato a su amiga íntima Alicia Delgado, asume la personalidad de una graciosa y regordeta muñeca, empaquetada y presentada en una elaborada y bien trabajada caja de cartón, intervenida con un propicio diseño gráfico;  al más puro estilo del diabólico y calculador Chucky de los años 80´s,  personaje artificioso de la saga de películas de terror Child’s Play creado por Don Mancini. Chucky, poseído por medio de magia voodoo por el asesino en serie, Charles Lee Ray. Fue en el año 1988 cuando un desconocido Don Mancini elaboró el guión de lo que sería Child´s Play (Conocida en Latinoamérica y España como “Chucky, el Muñeco Diabólico”). Dirigida por Tom Holland, la cinta narraba la historia del feroz homicida Charles Lee Ray (Interpretado por Brad Dourif) quien, herido de muerte y acorralado por la policía, decide transferir su alma a la del juguete de moda: un Good Guy*.

La caja contenedora de la reina de las parranditas, sugiere algunas instrucciones en su empaque, para comprender mejor el artilugio de la puesta en escena, una adiposa muñequita dispuesta a cumplir las más escabrosas fantasías asesinas, con pistolita parrandera, micrófono chacalonero, cajas de cerveza y pollera multicolores (Todos ellos vendibles por separado). Cartuchos no incluidos.

Jorge recrea de forma particular y con gran sentido del humor, ese mundillo chicha que nuestro país ha asimilado en los últimos años, plagado de líos que la prensa y la poca seriedad de los medios en general agudizan y convierten en largos titulares morbosos y tediosos que prolongan la triste existencia de estos vacíos protagonistas en el imaginario colectivo, acrecentando y mitificando sus vidas. Enfrenta este largo bagaje de aparente vanalidad en el tema y pone sobre el tapete a Abencia, la reina de la parranditas pistoleras, como para recordarnos  la extravagante y pobre fauna de personajillos que plagan nuestra realidad “cultural”,  realidad de la que él, como artista, presumiblemente conciente, y que como percibo, cuestiona agresivamente, con una obra que más allá de tener aspectos plásticos y visuales envidiables y muy bien logrados, se convierte en un arma poderosa que de alguna forma cumple con ese olvidado fin del arte, pensar y hacer pensar. Ya habíamos visto algo de ese gran sentido de análisis y recreación de nuevas realidades partiendo de algunas existentes en Family Portrait meses atrás. No por nada se lleva el primer puesto de la categoría.

Trabajo ganador en la categoría “Juguete como objeto de arte”:

“ABENCIA, LA REINA DE LAS PARRANDITAS” DE JORGE FLORES NÁJAR

Trabajo ganador en la categoría “Imaginería como arte contemporáneo”:

“SANTIAGO APÓSTOL” DE FRANCO FERRARI

“Ave o Huída a Egipto” de Natalia Eddem Lizárraga

Menciones honrosas en la categoría “Juguete como objeto de arte”:

• “Máquina extractora de vicios” de Liz Padilla
• “Chau, Chinita, Chau” de José Darío Gutiérrez Gamarra

Menciones honrosas en la categoría “Imaginería como arte contemporáneo”:

• “Ave o Huída a Egipto” de Natalia Eddem Lizárraga
• “Anunciación” de Franco Cahuana Zamalloa
• “Procesión de la Mamacha Belén” de Táter Camilo Vera Vizcarra

“Jaguar wawa” de Nico Marreros

Trabajos seleccionados para la exposición final:

• “Jaguar wawa” de NICO MARREROS
• “Vamos, ¡nos toca jugar!” de PAMELA ARREDONDO
• “Divino Capullo”de MARÍA LOURDES PALOMINO
• “Soldaditos de marlo” de HANS BRIAN FLORES
• “Púlpito” de JULIO EDMUNDO VALLENAS
• “Trompo Pukllana” de EFRAÍN SAMA
• “Coartada encriptada” de VÍCTOR RAÚL SUCAPUCA
• “Carrito Alado” de ROBERTO ROMERO
• “Simbiosis cultural” de JAIME INQUILLAY
• “Puzzle Zoo I y II” de JOSÉ LUIS MORALES
• “¿Por qué no?” de XAVIER CANO
• “Taytacha de las espinas” de GERMAIN NINANTAY
• “Arcángel” de RODRIGO SERRANO
• “Moto Reciclator” de RODRIGO SERRANO
• “Robot 24 horas” de RODRIGO SERRANO
• “Sinfonía del recuerdo” de FÉLIX MARTÍNEZ
• “Parque de los Chullos” de JOSÉ LUÍS PUMA
• “Imasmari” de MIGUEL ÁNGEL MORALES

*Fuente: Wikipedia

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La galería del Centro Cultural PUCP, Lima acoge una de las muestras más excepcionales que he podido ver: “La magia de Miró, Dibujos y Grabados”, esta muestra que ha sido durante criticada por algunos, reúne una serie de dibujos y grabados realizados por el maestro a lo largo de casi veinte años, entre los años 60’s y 80’s, aquí les dejo el texto curatorial de Élida Román en referencia a la exposición.

Joan Miró (Barcelona 1893-Palma de Mallorca 1983) es una de las grandes figuras del arte del siglo XX.

Se lo ubica entre los surrealistas originarios, quizás por aquella sentencia de André Bretón, “Miró es el más surrealista de todos nosotros”, surgida de la admiración por la libertad que siempre mostró su obra.

Incansable investigador de las posibilidades de los materiales, que lo llevo a experimentar todo tipo de papel, tela, madera, etc., también lo fue de las formas y el color. Desde etapas primeras, el detallismo casi obsesivo fue dictado por su profundo sentido de comunión con la tierra y el ámbito que lo rodeaba, su infatigable mirada de observador acucioso, su respeto amoroso por la hierba, los pájaros, el sol, la luz, hasta esa exploración más riesgosa y profunda que consiste en logar la definición última, la expresión del concepto genérico, el paso de lo reala a la simbolización a través de la creación de un lenguaje de signos visuales capaz de ser comprendido y compartido.

Del detallismo al expresionismo fauve, con alguna referencia libre y heterodoxa a cierto cubismo, y de ahí a la cercanía con el surrealismo, el suyo es un derrotero con una sola clave que será constante durante toda su vida: La libertad ejercida como único paradigma a obedecer.

Desde muy temprano, ligado a la poesía catalana y luego a la de otras geografías, y más tarde descubriendo en la música un nuevo ámbito donde experimentar la sensibilidad y hallar espacio creativo, Miró ha ejercido su talento con sentido estrictamente poético. Sus obras muestran ese dialogo de tenciones y vibraciones que, jugando entre sí u oponiéndose al extremo, logran el disparo de una emoción y el hallazgo de un reconocimiento.

La relación co-participativa con los surrealistas, que llega hasta la tercera década del siglo, pierde fuerza y reafirma la condición solitaria y única del artista. Es en esta etapa, sobre todo, donde el dibujo y el collage se convierten en su medio preferido en la búsqueda de una pureza de las formas. Y de allí en adelante la producción será inagotable.

Dibujante excepcional durante toda su vida, la invención de dibujos, collages, acuarelas y grabados será constante y se complementara con otras prácticas. Obra grafica que en nada se desmerece frente a la poderosa pintura, la cerámica extraordinaria, los murales, los tapices audaces, las increíbles que surgieron de su genio.

En esta exposición se encuentran reunidas obras realizadas entre 1962 y 1983, año de la desaparición del maestro. Permiten abarcar un periodo donde su personal lenguaje se ha decantado, separado de cualquier relación con tendencias o modos contemporáneos, para revelarse, en toda su potencia, como un verdadero despliegue de formas en libertad. Formas que concilian la realidad con lo imaginario, esquematizando al extremo, haciendo alarde de una austeridad que a la vez enriquece el signo, logrando expresar lo máximo con el mínimo de los recursos, logrando un juego dinámico ejemplar.

Una lección absoluta: Miró es solo Miró.

*La exposición va hasta el 31 de Enero de 2010.

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Hace algunos días recibí la llamada de Rudolph Castro (*), Artista Plástico que conocí a finales del año 2004 durante la estadía de él como alumno libre en la Escuela Superior Autónoma de Bellas Artes “Diego Quispe Tito” de Cusco, rápidamente entablamos una fuerte amistad. En su llamada, me comentaba la posibilidad de traer la muestra para acá, dentro de plan para llevarla por algunas ciudades importantes del país, entre las que estaría Huanta (Ayacucho), ciudad afectada vorazmente por el terrorismo en los años ochentas y noventas.

Y es que Castro inauguro el pasado 07 de Octubre y hasta el 25 de ese mes, en la Galería Municipal de Arte Pancho Fierro (Lima), su exposición individual: Mi(l) novecientos noventa, la que reunía óleos y acrílicos sobre lienzo, dibujos y objetos intervenidos, todos estos elementos evocando la memoria de las victimas y de alguna forma el recuerdo horroroso de los años de violencia que vivió el Perú, desde una óptica personal y desde su mirada de niño (Castro, pertenece a esa generación de personas que fuimos niños en la época de terrosismo), recurriendo a legos, playmobils, playgos, muñecos, loncheras y demás objetos de los que se valdría un niño para recrear ese mundo bélico de juegos… de juegos de guerra. Todos estos elementos se agrupan y forman ese ideario de su obra, donde a través de estos juguetes, él nos recuerda la violencia sin lógica y cargada de terror. Pertenece a ese grupo de artistas contemporáneos que por medio de la plástica, hacen hincapié en temas como este, logrando en el espectador un sin fin de cuestionamientos que hacen que cosas escabrosas como éstas, no se dejen de lado y formen parte de un recuerdo a tener presente, para no olvidar y esperar que nunca más vuelvan.

Los siguientes, son extractos de los textos escritos con motivo de la muestra:

El conjunto de su obra es una experimentación siempre abierta, donde el autor busca una síntesis sobre la década de los noventa, años vulnerables en donde la repercusión de la violencia terrorista llegó a lo más profundo de su mente infantil. La obra de Castro está poblada de personajes que van reapareciendo a lo largo de su trabajo en formas infinitamente ingeniosas. Esta exposición está bajo la curaduría de Armando Williams.

“Algunos objetos nos tratan de confundir y se visten de una manera en la que ocultan su real significado. Mil novecientos noventa y sus años posteriores estuvo rodeada de dinamita, anfo y sangre. En mil novecientos noventa como yo muchos niños jugaban. Mis carros de plástico y de metal se camuflaban y decían ser un simple juguete pero cuando cogían los 8km por hora originados por mi pequeña mano, se transformaban en un temible y despiadado coche bomba; los playmobil se volvían ciudadanos heridos y mutilados; los playgos caían como ciudades devastadas; y yo como dije… tan solo jugaba.

Cada mañana de Mi(l) novecientos noventa los héroes de la televisión me acompañaban, los dibujos preferidos me seguían y siempre mi lonchera se encontraba lista.

Las “loncheras” (objetos intervenidos) TOQUE DE QUEDA cogen ese espacio donde los héroes animados se posicionaban y que cada mañana acompañaban al nido, jardín o colegio con las noticias del día a día que se escuchaban y veían en cada desayuno por la televisión, en cada viaje de ómnibus por la radio, en cada imagen por los periódicos y revistas. Bugs Bunny y el Pato Lucas descansarán pues Maria Elena Moyano aparecerá, la guerra intergaláctica de los Transformes se desvanecerá y el genocidio de Acomarca se recordará.” (R.Castro).

Mientras, Castro, seguirá con los planes de traer su exhibición a Cusco, quizás ésta se dé para el próximo año, en tanto algunos amigos artistas y yo, estaremos a la espera de este tan buen logrado trabajo, con la seguridad de que se convertirá en una de las mejores muestras del 2010 en Cusco y una de las más visitadas y recordadas en este año en Lima.

(*) Rudolph Castro (1982) Es egresado de la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú, en la especialidad de Pintura, estudió Animación y Efectos Especiales en el Instituto Toulouse –Lautrec y tiene un diplomado en Diseño Gráfico de Leo Design. Ha participado en diversas exposiciones colectivas, entre las que destacan “Mad Max: ejercicios de arte interactivo” con su Instalación “S/T” y BLIP: A/V Automático-Versátil del Centro Fundación Telefónica con el video interactivo “Mas uno, sin uno”. Ha recibido menciones honrosas a su trabajo en el “XVIII Concurso Nacional de Artistas Jóvenes-Premio Cerro Verde” con su obra “Armadura (Contra coche bomba)” (2008) y en el “Concurso Nacional del Año Internacional de la Papa” del Centro Cultural de España, con su Instalación “Muhu Papa” (2008).

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…Pero como toda muralla tiene una parte débil en su ingeniería, tan solo bastara con descubrir tal ubicación ante el exterior, hacerla conocida, aceptarla como vulnerable (así llamado socialmente) y permitir que un halo de sensibilidad se cuele por entre sus gruesos muros y permita arrancar el antifaz que lo enceguece y nos haga posible ver mucho más allá de nuestro propio ser…

Rubí Palomino Gaztañaga

La Sala Blanco y Negro de la Alianza Francesa de Cusco, acoge la primera exposición individual de Rubí Palomino Gaztañaga, llamada: Celdas, la que además tiene como invitados a los artistas: Rubén Sequeiros, Nico Marreros y El Primo

Reúne una serie de obras disímiles en su estructura y tratamiento, con audaces propuestas como las de: Rubén Sequeiros que presenta una serie de obras escultóricas donde los materiales poco convencionales como desechos naturales, cáscaras secas, piedras, semillas y otros recursos del reciclaje se unen a un tratamiento atípico del volumen y la forma, no por ello poco importante o menos válido; considero que la intrepidez en la elección de los materiales y el uso de recursos externos, dan un valor agregado a su obra.

Detalle. Ejercicio #5. Nico Marreros

Nico Marreros por su parte presenta la obra: Ejercicio Nº 5, diseño, instalación, interacción en la que resalta la creación y diseño de una serie de volantes que se repartieron días antes del montaje e inauguración de la exposición en algunos lugares de la ciudad, como plazas, universidades, avenidas y demás, el mensaje de la propuesta de Marreros no llega a ser del todo claro, al agrupar algunas frases sueltas y extraídas de canciones de grupos latinos como Molotov, Calle 13, Los Mojarras entre otros, en lo que el propone como una suerte de integración de nuestros pueblos mediante la música y el mensaje de esta; lo apasionante de su obra, es como en reiteradas oportunidades lo he comentado, su gran manejo en la creación de personajes, insertos en una lenguaje moderno y contemporáneo. Punto aparte y de mucho valor es la forma tan profesional como Marreros realiza la curaduría de sus propuestas, añadiendo en muchos casos un valor extra a la misma, jugando con el espacio, desarticulando y desmitificando las dos dimensiones de los montajes de las obras en papel, pictóricas y/o visuales.mo.

El Primo por su parte interviene la sala con un graffiti de una representación tipográfica del nombre de la exposición que los agrupa, su estilo irreverente, contemporáneo y audaz se ve reflejado en el mural efímero que alberga el espacio.

Graffitti. El Primo.

Finalmente, Rubí Palomino, responsable de la fusión de este grupo, propone tres ensayos de una expresividad hasta cierto punto a flor de piel: fotografía, poesía y objeto arte; la serie fotográfica agrupada en la paredes encierra esa terrible y angustiosa soledad que se ve manifestada y sobredimensionada en las paredes escritas con algunos versos que experimenta, si bien es cierto su poesía dice mucho del concepto de la muestra, en muchos casos y en algunos instantes del recorrido, terminan siendo frases sueltas en el aire, que no terminan de engancharse a las imágenes que propone. Creo que ambas, fotografía y poesía entablan una doble función irónica y antagónica de competencia, una y otra funcionan bien a solas, pero en muchos parajes terminan convirtiéndose en un estorbo mutuo.

Es relevante en su propuesta fotográfica, la que a pesar de tener imágenes pequeñas y algunas con cierto grado de deficiencia técnica en el enfoque y manejo de luz, carencias en la calidad de la reproducción; que cada una de ellas encierra mucho de ese mundo solitario, ajeno y desinteresado que incontables veces tenemos dentro y que parece ser un mundo alejado de la solidaridad e interés colectivo. Algunas de ellas son verdaderamente desgarradoras por la indolencia y la apatía que transmiten, a la larga conjugan con el concepto elegido para la muestra.

Rubén Sequeiros. Detalle.

Es indudable que las propuestas de estos cuatro jóvenes distan mucho de un parecido entre si, cada uno tiene un mundo estructurado, un lenguaje, un ritmo y un tono, pero lo que si es incuestionable es su interés por lo experimental, por decir cosas que a pesar de ser entabladas en un lenguaje aparentemente nuevo para nuestra sociedad, están en un plano contemporáneo si lo comparamos con un arte global. Sus ofrecimientos agrupan a esa camada de artistas nuevos y audaces que egresan año a año de las carreras de artes visuales, que no objetan miedos, que no ponen trabas para una creación libre y desinteresada, como respuesta a las mezquindades y cuestionamientos inútiles de sus pares y sociedades.

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Desde su creación, Lunar Verde, ha intentado ser un foco de difusión y discusión de Artes Visuales en Cusco, sumado a ello, la práctica personal de hacer una suerte de crítica y curaduría empírica de las principales muestras y exposiciones de arte en la ciudad, quizás para muchos entendidos, ejercicio que resulta no muy fructífero. Está abierto a todo aquel que crea necesario expresar, comentar o criticar algo con respecto a las artes, no es, ni será una tribuna cerrada a las opiniones que vayan en contra de las del autor, ni mucho menos las posiciones contrarias quedarán censuradas, es más, si las hubiesen sería mucho más enriquecedor.

En los últimos días se ha desatado una discusión en torno al otorgamiento de una de las Salas del Museo de Arte Contemporáneo (MAC) de la Municipalidad Provincial de Cusco al Museo El Quijote, medianteAcuerdo de Concejo Municipal No. 135-2009-MPC y la posterior Carta Abierta firmada por un grupo de artistas plásticos y visuales, escritores, intelectuales, periodistas y público comprometido en salvaguardar los intereses colectivos, se entiende los derechos de los artistas.

Al respecto considero importante cuestionar algunos temas para enfocar el asunto:

1.- ¿Cuántas Salas de Exposiciones existen en Cusco?, diremos que son cinco las principales: Sala Nacional de Arte “Mariano Fuentes Lira” (ESABAC), ICPNAC, Sala Blanco y Negro (Alianza Francesa), Galería del Convento de Santo Domingo-Qorikancha, Museo Inca y MAC, excluyendo de este conteo a algunas galerías privadas, que por su condición y/o poca relevancia, tienen el absoluto derecho de seleccionar a sus artistas; pregunto entonces: ¿Cuántos espacios realmente cumplen la función de ser áreas para la difusión de las artes en Cusco?, ¿Cuántos están comprometidos con los artistas locales (nativos o residentes), jóvenes y emergentes?. No hay que ser un experto para percibir la actividad de uno u otro espacio y sacar conclusiones sin mezquindades.

2.- ¿Cuáles son las condiciones para que un artista, digamos con algo de perspectiva de crecimiento profesional, llegue a estas salas?, que tan factible es que uno de los artistas próximos a egresar de la Escuela Superior Autónoma de Bellas Artes “Diego Quispe Tito”, pueda exponer en uno de estos espacios, incluido el de la ESABAC, sin tener que padecer un sin número de peripecias, cuestionamientos y exclusiones por su juventud e inexperiencia o por no tener amigos influyentes, serviles o dueños de la verdad en materia artística, por ser “consagrados”; resumiendo, cuántos de ellos tendrán que mirar las caras de estos personajillos que nunca han tenido una labor comprobada activa y no burócrata. Aquí encaja la misma conclusión anterior, creo que con creces, algunos de estos espacios han demostrado su amplitud a propuestas jóvenes, emprendedoras y con futuro. ¿Qué tendría que hacer uno de estos jóvenes para exponer en el Museo de Arte Contemporáneo?, suponiendo que este espacio fomenta el arte y la cultura.

3.- El trabajo actual del MAC, hasta donde pude observar en los últimos meses, se limitó a no más de dos muestras relativamente relevantes, las demás fueron más de lo mismo y algo de la Colección de Arte Pictórico que posee el MAC, montaje que valgan verdades muchos de nosotros seguramente hemos visto varias decenas de veces; al no contar con un plan y cronograma de exposiciones serio, con ese mal manejo que expone a las piezas a todo tipo de deterioros; el Museo se ve en la obligación de montarla innumerables veces o recurrir a las mismas asociaciones y grupos de artistas; adicionado a ello, el no contar con un profesional del área, cítese, Artista Plástico, Visual, Curador y/o Museógrafo que realice una adecuada e idónea práctica curatorial y selección del material expositivo, basándose en capacidades, propuestas nuevas y calidad, más no en otros criterios que no vienen al caso mencionar pero que son evidentes.

¿Realmente este espacio cumple su función de Museo de Arte Contemporáneo?, considerando que Cusco es una ciudad importante culturalmente, ¿Hay un trabajo a largo plazo en la conducción de este espacio?, lo que incluiría convenios, intercambios, promoción, difusión, discusión e interrelación con la colectividad y un verdadero trabajo en pro del arte contemporáneo o es un trabajo burocrático como la mayoría de acciones “culturales” de la Municipalidad de Cusco, del día a día, que por la precariedad de su condición incurre en este tipo de licencias.

4.- No será acaso que a los opositores del otorgamiento de la sala les molesta la idea de que el Museo El Quijote ocupe una sala en el MAC, supuestamente destinada por derecho auto atribuido a los artistas locales, por el simple hecho de oponerse o es que quizás detrás de esto existen intereses personales y no de defensa. El Museo El Quijote, reúne no solo piezas de un artista renombrado como el Sr. Jesús Venero, sino también piezas de artistas locales.

En mi humilde opinión, muchas veces en esta ciudad estamos a la búsqueda de alguna iniciativa nueva para ver como nos oponemos, es cierto que este es un espacio público, que nos pertenece a todos, pero también es cierto que al pertenecernos a todos pudimos hacer algo para que las condiciones curatoriales, expositivas y de acceso a este espacio mejoren y simplemente no lo hicimos. Entonces, ¿es hora de oponerse tan solo por oponerse? o de buscar nuevos espacios de expansión, proposiciones y soluciones que no solo beneficien a unos pocos, sino a toda la comunidad de artistas de Cusco. Es tiempo además de cuestionar los auténticos intereses que están detrás de este engorroso tema, y no convertirnos en posibles piezas de un fondo que se ve lejano, poner las cartas sobre la mesa y lograr que los artistas, obedezcan a sus propios intereses en pro de un desarrollo sostenido y colectivo, miremos e imitemos el trabajo realizado en el Centro Cultural Peruano Norteamericano de Arequipa o el del Convento de Santo Domingo – Qorikancha, señores, en este espacio las mezquindades están de lado, es por eso que sugiero estos nombres.

Los cuestionamenitos son vastos, ¿a dónde apunta la cesión de la Sala del MAC? ¿Qué beneficio aportará a nosotros los artistas?, ¿Cuáles son los verdaderos intereses del grupo de firmantes de la carta?, ¿Qué acciones tomaremos los artistas al respecto?, ¿Serán realmente en defensa del colectivo o en amparo de unos pocos cautivos de sus logros personales y ciegos por su falso éxito?

Por último quiero dejar en claro, para no ser presa de las suspicacias, que yo realicé una muestra individual en el MAC hace algunos años y actualmente tengo una selección-exposición de obras en el Teatro Kusikay, organizada por la Galería Apacheta de la Sra. Roxana Cuba, propulsora de la mencionada Carta, pero no por eso, seré participe de algo que evidentemente no queda muy claro, asumo que estamos en un espacio donde el ejercicio a la libertad de opinión es válido y así como habrán opiniones a favor de la carta, las habrán en contra de la misma y del mal manejo del mal llamado Museo de Arte Contemporáneo. Y una de ellas es la de Lunar Verde.

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En la pintura contemporánea, muy pocas cosas son nuevas y quizás esto resulta en una terrible verdad para algunos artistas anclados en sus logros pasados. Al no haber más que inventar, al no hallarse apasionados modernos, existe y cabe la amplísima posibilidad de trabajar en los conceptos presentes, reutilizarlos y transformarlos; al tiempo de proponer nuevas formas de ver lo establecido. Aparece también la grata alternativa de entrar a terrenos un poco más escabrosos para los fanáticos del academismo, obtusos personajes que se resisten a creer que el arte evoluciona y que los artistas contemporáneos piensan y actúan distinto; proponiendo conceptos, realidades, empezando a manejar nuevos medios, percepciones y técnicas en soportes distintos y con recursos que van más allá de los reconocidos como normales.

La obra de Valerie Velasco habla de ello, de un constante juego de ensayo y error, con emprendimientos fallidos y proyectos exitosos; con Erminia, una mujer típica de la sierra peruana, de carne y hueso, que personifica a un sin número de mujeres que día a día luchan por tener un espacio y un sitial preponderante en una profusa y odiosa sociedad machista que las margina, excluye o critica, estos vejámenes acrecentados por su condición social, cultural o económica.

Valerie Velasco

Velasco encara estos cuestionamientos estúpidos, hipócritas y limitados, presentando una serie de lienzos de tendencia pop y con una inclinación al chacarter design o diseño de personajes, vertiente del street art o arte callejero, término inglés que en su mejor y más amplia significancia agrupa todo aquel arte que se realiza en la calle, casi siempre de manera ilegal. Sin embrago desde la segunda mitad de la década de los 90 el street art o su equivalente de post graffiti, se viene usando para describir el trabajo de un conjunto heterogéneo de creadores visuales que han ido desarrollando acciones o incursiones clandestinamente artísticas en la calle, mediante el uso de plantillas, posters, stickers y otras técnicas y códigos que se alejan del graffiti y lo dejan como una acepción pura y tradicional. Expone además un registro fotográfico de una Intervención Urbana realizada con stickers, donde el personaje se apodera de los paraderos, combis, mercados y centros de concentración popular, haciendo suyas las interrogantes que generan frases como: Soy Power (Soy Poderosa) y al cuestionar eso, Erminia reafirma su condición de valerosa, de pujante mujer serrana; junto a esto una Instalación que linda entre lo romántico y fantástico de este personaje, mostrándonos su lado más heroico, que arremete contra esa falsa idea de la mujer de los Andes como ente sumiso. Por último aparece en el cyberespacio(1), quincenalmente, con entregas a manera de cómics, que muestran ese lado pícaro, gracioso y amable de las aventuras de esta mujer, en ese mundo escondido y mágico de una ciudad como la nuestra, cuestionando y dándose gráciles soluciones a aspectos religiosos, culturales y sociales.

Catalogo de la exposición.

Catalogo de la exposición.

(1) Erminia, aparece quincenalmente en los blogs: www.elcaminerito.com y www.insinuacionesvisuales.wordpress.com

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Delirios Vulnerables es la exposición bipersonal que presentan Carmen García y Marco A. Moscoso en el sala de exposiciones de la Casa de la Cultura de San Blas, este nuevo espacio acoge a estos artistas para montar un muestra de Pintura y Fotografía, en lo que promete ser un nuevo recinto de difusión de las artes en general.

Carmen exhibe dos series, una de lienzos de mediano formato y técnica mixta (Óleo y acrílico) y otra de dibujos a tinta sobre madera, en ambas series se evidencia un interés por encontrar en el trabajo de retrato, una esencia que va más allá del acto de captar la fisionomía o parecido alguno con la realidad; ensayando más bien una propuesta que apunta al intento de atrapar a ese ser interno en este conglomerado de presencias irreales, todo ello por medio de representaciones oníricas salidas de ese aparente bagaje de personajillos escondidos que ella maneja. En los dibujos a tinta es recurrente la presencia de un individuo que interactúa con los (as) eventuales protagonistas de paso que se muestran en las composiciones; a manera de historias, que parecen no tener un comienzo ni un final determinado, este mundo que recorre una delgada línea entre lo romántico y fantástico, exterioriza una suerte de cosmos de ensueño, donde flores, mujercitas de cabellos largos y jóvenes enamorados de melena ensortijada, gravitan en un espacio determinado tan solo por los crudos linderos del soporte.

Marco por su parte presenta una serie de fotografías digitales, agrupadas bajo el sugestivo nombre de: El azar de la continuidad; en ellas la frialdad que les confiere el software del iPhone, con el que fueron ejecutadas, da un paso al costado para mostrar su lado más humano y cálido, en instantáneas a manera de series de ocho disparos consecutivos. La presencia de actores reconocibles como objetos, animales y/o humanos, se inserta asolapadamente en parajes desolados y angustiantes por su sombría y etérea escasez de vida aparente. Ejecuta las tomas valiéndose del movimiento originado por él y terceros, automóvil, desenfoque que otorga el normal transito de sus modelos de turno en el encuadre, movimiento involuntario durante la manipulación del aparato o alguna acción que encuentra permitida en una ilusoria estudiada toma instantánea.

Estos dos personajes, Marco y Carmen son atrapados por un delirio no vulnerable y ensayan sin temor a equivocarse, una propuesta quizás no muy válida para los más ásperos y obtusos críticos ceñidos a normas inquebrantables, más por contrario, completamente aceptable para aquellos gustosos de los experimentos con razón y corazón.

Datos:

Delirios Vulnerables va hasta el 10 de octubre en la Casa de la Cultura de San Blas. La entrada es libre.

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Subjetivo Contemporáneo, femenina abstracción.

Podríamos definir al arte Abstracto como la corriente o estilo que hace énfasis en las consideraciones de forma, estructura y cromatismo en una composición u obra artística, la que a su vez, está realzada por el valor y la fuerza que la expresividad le confiere. Surgió hacia 1910 y es considerada una de las manifestaciones más significativas del arte del siglo XX, no imita modelos o representaciones de la naturaleza, crea un lenguaje autónomo y deja de lado la idea de la representación figurativa, al considerarla injustificada dentro del pensamiento de que la abstracción asume sus propios significados; estas obras existen con independencia visual frente al mundo «real», según esta acepción, una obra abstracta no puede hacer referencia a algo exterior a la obra en sí misma, sino que plantea una nueva realidad distinta a la natural. Algunos artistas abstractos de la década de 1920, argumentaban que el arte era esencialmente una actividad espiritual; para crear el lugar del individuo en el mundo, no para organizar la vida en un sentido materialista y práctico.

Yaneth Nuñez

Vasili Kandinski es quizá el pintor con el que se puede sentar un referente de inicio de la pintura abstracta, ciertamente antes de él, existieron algunos ensayos en esta línea; pero es su obra, la que da comienzo a la llamada Abstracción Lírica, un tipo de pintura muy sentimental y con representaciones evidentes de los deseos y modos de pensar de los pintores europeos; que empezaron a experimentar con ella a partir de 1912. Todo ello en busca de un llamado Arte Puro, que perseguía la representación de nuevas realidades y/o estructuras, creadas íntegramente por el artista; sin intromisión de algún referente visual real o existente en la naturaleza.

Subjetivo Contemporáneo, es la exposición individual que presenta Yaneth Nuñez en la Galería de Arte Fractal Dragon de la Casa Cultural Tupac Inca Yupanqui; Nuñez muestra una serie de abstractos de gran formato, una instalación y algunos collages; parte del punto y la línea como elementos primordiales de composición en el espacio, con ellos desarrolla un lenguaje que no es nuevo y que existe potencialmente desde que los primeros hombres plasmaron en las pinturas rupestres, su mundo; pero los reordena y los transforma en una propuesta personal que intenta buscar ese simbolismo de la forma y del color que hay en cada pequeña cosa, invitándonos a construir y reconstruir a partir de ellos, nuevos universos donde el juego de la significancia y la metáfora son uno.

Fragmentos, Yaneth Nuñez

Nuñez responde sus propios cuestionamientos mediante sus lienzos e indudablemente deja en el aire color magenta y arena, algunas flaquezas propias de aquellos artistas que se atreven a experimentar y que van en contra de los juicios establecidos. Los tonos grises, azules y verdes gigantes, asumen importancia en un lenguaje que muchas veces es solo fácil de entender, cuando se está en frente de las telas, cerrando los ojos y esforzándose por escuchar el calmo sonido del color.

Datos:

Subjetivo Contemporáneo va hasta el 26 de octubre en el segundo piso de la Casa Cultural Tupac Inca Yupanqui, Galería de Arte Fractal Dragon (Calle Arequipa 159, Cusco). La entrada es libre.

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Garcés, 2020, Morfosis Segura o la utopía de una realidad

En marzo de este año, cuando Edward Garcés montó la muestra: «Lateral» en la Sala Blanco y Negro de la Alianza Francesa de Cusco, escribí u texto que titulé: Teorías sobre el reciclaje, Garcés un reciclador de arte, el mismo que publiqué en el blog de arte contemporáneo: www.alfredovelarde.wordpress.com, en este se hacía énfasis en la fragilidad de los personajes que coexisten en su obra; así como el contenido medioambiental de la misma; cito parte del texto en referencia:

…Sus personajes, fríos, solos, brutalmente melancólicos con expresiones de espanto y felicidad ambigua, coexisten en el imaginario de ese mundo paralelo e irreal que él ha creado para dar forma a esa suerte de cosmos fantasmagórico de un mundo destruido y aniquilado por el futuro anti conservacionista que emerge actualmente.

Considero que hay dos obras bastante importantes en la muestra de Garcés, la primera: Un héroe caído, (2009), la que posiblemente es la que mejor encierra el concepto de la muestra por su profunda carga dramática y en la que la relación entre el discurso del reciclaje, el respeto medio ambiental -tan de moda en estos tiempos- y la idea del personaje reciclador preso de un mundo desaparecido a raíz de una posible catástrofe de dimensiones universales en el año 2012, hacen de la pieza un recordatorio de la fragilidad del hombre frente a la naturaleza y a su autodestrucción, la segunda: No creemos, Creamos, Somos inocentes, (2008) donde Garcés hace uso de materiales externos como cables eléctricos y sistemas de computadoras, para dar forma a una especie de hombre futurista, el mismo que, producto de su evolución ha modificado considerablemente su fisonomía, dejando de lado funciones y órganos humanos para dar paso a un enmarañado de cables que avizoran el medio en el que coexiste ahora…

El trabajo de Garcés revela fuerte influencia de lo que se conoce como el steampunk o neo-victorianismo, subgénero de ilusión y ciencia ficción aplicado principalmente a la literatura, que enfatiza la idea de un mundo donde la energía a vapor es todavía usada, a menudo se asocia a este género con el cyberpunk, al margen de su consideración como subgénero literario de ciencia ficción, el steampunk ha alcanzado a las artes plásticas, videojuegos, series televisivas y al cine, por ejemplo en películas como: Wild Wild West o Regreso al Futuro. Posteriormente se  introdujeron nuevos elementos como: fantásticas máquinas de vapor, complejos trabajos de artesanía mecánica, androides propulsados de las más diversas formas y dotados de inteligencia; convirtiéndolo en un género mágico.

Por otro lado, recibe la influencia del «Arte Ambiental» o «Environmental Art» el término es usado para definir al arte que trata temas ecológicos, dentro de este concepto, podríamos definir dos espacios de acción, el primero que hace énfasis en:

• La toma de conciencia acerca de la fragilidad de la naturaleza mediante la pintura, fotografía, escultura, acciones, performances, intervenciones en espacios públicos y todo soporte y/o medio que cumpla tal fin.
• La investigación de  fenómenos naturales, a menudo convirtiéndose en un arte multidisciplinario.
• El uso de materiales naturales añadidos, como ramas, hojas secas, cortezas, hierba y materiales de desecho natural.
• Evitar la degradación medioambiental, lo que abarca las llamadas «Obras Verdes» hechas con materiales biodegradables y/o reciclados así como la «Eco Escultura», que está sensiblemente integrada en el hábitat natural donde se desarrolla.

El segundo hace referencia a un arte específico de un lugar o a una escultura medioambiental, que también puede relacionarse con otros aspectos del «medio ambiente», como son el contexto formal, político, histórico o social.

Casi cinco meses después, la noche del 07 de Agosto, Garcés obtenía el primer premio en el Concurso de Artes Visuales: Predicarte 2009, que organiza anualmente el Convento de Santo Domingo, Qoricancha en Cusco; la obra con la que ganó titula: 2020 – Morfosis segura, (2009), en ella se recrea un mundo ilusorio donde los hombres del futuro trabajan -en un artefacto estilo steampunk- para mejorar su raza, atrás quedaron esas falsas utopías de salvar el planeta y de la no agresión hacia la naturaleza, el mundo del año 2020 es un espacio absurdo, sin sentido y desolado, donde los hombres con aspecto de maquinas, prisioneros de un cataclismo post moderno luchan para aminorar su caótica situación y lograr una evolución en equilibrio con la naturaleza y el entorno en el que habitan.

Datos:

La muestra de los seleccionados y premiados en el Concurso de Artes Visuales: Predicarte 2009, va hasta el 31 de Agosto en la sala de exposiciones temporales del Convento de Santo Domingo, Qoricancha, Cusco.

Fotografía de Alfredo Velarde. Obra: 2020, Morfosis Segura, Edward Garcés

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Para nosotros las estrellas dan vueltas alrededor del sol. Para los Shipibo las estrellas pasan por el rió cielo en sus canoas.

Un joven ataviado con una vestimenta tradicional de la selva, con numerosos adornos e iconografía típica, está parado en frente de no más de ocho personas, en la mano lleva un vaso de vino tinto y a duras penas se lo distingue en medio de ese pequeño tumulto que lo abruma con su mirada curiosa y las preguntas en la lengua listas para salir. Detrás, una serie de pequeños cuadros de exquisito colorido, el diminuto hombre de la vestimenta selvática se esfuerza por dar a conocer su obra, responde preguntas y absuelve toda clase de dudas de los asombrados asistentes a la cita, mi curiosidad crece cuando empieza a hablar de los mitos y leyendas de su pueblo, él es Elmer Inuma, artista Shipibo, los Shipibo son indígenas sudamericanos pertenecientes a una tribu del pueblo Pano, forman parte de una importante y homogénea familia nativa, asentada en las zonas ribereñas del Perú y Brasil, al sur del Amazonas, y en las cuencas del río Ucayali, desde el Huallaga por el oeste hasta el Yurúa por el este. Practican la agricultura y la pesca, algunos de ellos son polígamos y, otrora, fueron caníbales; tienen gran habilidad en la fabricación de canoas, arte textil y cerámica.

Dos días después me encuentro en la cúpula de la Iglesia del Convento de Santo Domingo – Qorikancha, antiguo Templo del Sol, epicentro del Imperio Inca en Cusco; en frente tengo una de las situaciones más extrañas que hubiera imaginado para el contexto del lugar, una <<cabeza de caimán>> decorada con símbolos e iconos que hablan de los ríos de la selva, Elmer está pintando, ya no está con la vestimenta shipiba, más bien lleva un gorro de fieltro y un polo que dice <<Perú>>. Me invita a tomar asiento sobre esos muros y piedras tan antiguos, pero no tanto como el conocimiento y la historia de su pueblo, comienza a hablar de la ayahuasca, infusión y/o brebaje de los pueblos nativos amazónicos, usado para rituales médicos y/o religiosos así como en la medicina tradicional, mediante ella se logra la unión entre las diversas culturas que tienen en común el consumo individual o grupal de esta, con diversos fines, que van desde lo curativo, espiritual a la revelación personal. Me hace pensar que esos mundos mágicos, irreales y multicolores de sus pinturas, están presentes en su mente a cada instante. Él ve lo que pinta mucho antes de materializar la obra en el lienzo, su trabajo habla de la flora y fauna de la selva, de los seres imaginarios que inventan y viven hazañas asombrosas, que guardan celosamente tesoros bajo el agua, criaturas que cuidan con voracidad asesina los mitos y las leyendas de un pueblo que por encima de la desdicha que le ocasiona el mundo <<real>>, concibe a mujeres y hombres que a través de una basta gama de conocimiento, materiales, formas, líneas y tonalidades expresan sus sentimientos y para muchos su incomprendida relación con la naturaleza, vinculo que es sincero y puro, sin ataduras y clichés de moda, la línea que une a Inuma con la selva, va más allá de los estereotipos del virtuoso freak.

Inuma presenta en la Galería del Convento de Santo Domingo – Qorikancha, una serie de acrílicos de pequeño formato, de tendencia naïf, el concepto naïf, del francés naïf o naïve, apunta no solo a una ingenuidad que, ceñida al arte, se precisa en una delicada falta de conocimientos técnicos y teóricos: en algunos casos existe una ausencia de la perspectiva, así como un cerrado conocimiento de las proporciones y un elaborado y meticuloso trabajo cromático. En tal sentido la noción de lo naïf no solo se ajusta a lo ingenuo y la ingenuidad sino también a una grata simplicidad que, en el arte, deviene en evitar artificios o esnobismos vanos. Su trabajo presenta una estructuración visual de los mitos, deidades, leyendas y la cotidianidad de la selva, el ritmo que adquiere su obra es simple y de lectura sencilla, pero no por eso poco profunda.

Sus cuadros representan mundos donde el rito del ayahuasca se hace un solo elemento con el hombre y nos enseña una visión distinta de ese espacio; considero que la obra más importante de la exhibición es: Hijos del Sol, donde nos habla de una leyenda ancestral por la que los Shipibo explican su origen, en ella se cuenta que Dios había creado al Sol y a la Luna como dos astros divinos que no debían juntarse jamás, esto no sucedió, y ellos se unieron y fruto de ese acercamiento la Luna, atravesada en el vientre por un rayo en una noche de tormenta, dio al mundo siete pequeños de apariencia humana. El menor de ellos con muchas más habilidades que los otros, construyó una escalera de flechas que arrojada al infinito, por la que debían volver junto a sus padres, en ese trance uno de ellos es mordido por un caimán al intentar cruzar el río, el Sol se compadeció de sus hijos y los convirtió en una constelación que los Shipibo llaman huishmabu. La disposición y la altura de estas estrellas son interpretadas por ellos como el avance de las estaciones y rigen gran parte de su vida.

Dejé a Inuma, con la certeza de que los calificativos de artista naïf, y todo lo que ello acarrea, se desvanecieron entre los muros y los recuerdos del viejo Qorikancha, su trabajo aporta innumerables aspectos técnicos y teóricos,  además de un conocimiento y un concepto estructurado en su relación con la naturaleza, la misma que no es falsa y determina su calidad de creador.

Datos:

La exhibición va hasta el 31 de Agosto en la Galería del Convento de Santo Domingo – Qorikancha, Cusco.

Fotografía 1: Hijos del Sol (Acrilico sobre Lienzo) Elmer Inuma
Fotografía 2: Elmer Inuma

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